Что посмотреть
Okko Рекламное объявление О рекламодателе ERID: 4CQwVszH9pWvoHrnWEQ Okko Okko
Подборки фильмов

10 лучших анимационных фильмов десятилетия

Продолжаем подводить итоги 2010-х — в этот раз делимся списком достижений анимации, от пиксаровских шедевров до новой классики аниме.

Добавить в закладки
10 лучших анимационных фильмов десятилетия

Промокадр к мультфильму "История игрушек 3: Большой побег"

Новая эра анимации — анимации компьютерной — началась в 1995 году с компании Pixar и их дебютной «Истории игрушек». Со временем качество графики росло, улучшались технологии, модельки становились детализированнее и живее, но приключения куклы-ковбоя Вуди и его друзей так и оставались главной анимационной франшизой XXI века (поспорить с этим мог бы «Шрек», но из него франшиза не очень получилась).

В 2010-м, прямо на заре этого десятилетия, вышел «Большой побег» — третий и, по мнению многих, лучший мультфильм в серии. Авантюрный сюжет в нём оборачивается проникновенной драмой о взрослении, важности юношеских переживаний и о том, как нам всем сложно (но и абсолютно необходимо) расставаться с детством. Финал «Большого побега» — один из самых разрывающих моментов в истории и без того богатой на сантименты Pixar, который, к слову, легко мог испортить четвёртый сиквел, вышедший в этом году. Но не испортил, потому что тоже оказался отличным.

Кадр из мультфильма "Головоломка"

И снова Pixar, и снова взросление — только если «История игрушек» фиксировала эмоциональные качели переходного возраста как бы отстранённо, косвенной речью, «Головоломка» фигурально и буквально залезает своей героине в голову. И показывает — прямо как в том старом меме про сюжеты Pixar, — что и у эмоций тоже есть эмоции, а значит, никакое переживание не может быть простым и монолитным.

Как и все лучшие мультфильмы, «Головоломка» показывает, как можно на понятном языке говорить о совершенно неподъёмных, откровенно мрачных вещах, мешать смешное и грустное, оптимистичное с чуть ли не депрессивным — иные кадры «в реальности» здесь выглядят как заправская инди-драма, снятая на нестабильную, трясущуюся камеру («Головоломка» стала первым анимационным фильмом, где использовали полноценную симуляцию кинокамеры с разными объективами и методами съёмки).

Кадр из анимационного фильма "Ветер крепчает"

Последний на данный момент фильм великого Хаяо Миядзаки не очень-то похож на его самые известные работы. В «Ветер крепчает» нет явного контакта между реальным и фэнтезийным, он не обращён к легендам прошлого и, кажется, вообще не предназначен для детского глаза. Это кино, рассказывающее практически о сегодняшнем дне (20-30-х годах прошлого века), о нашей физической реальности, политическом произволе и личной трагедии человека, одновременно влюблённого в свою работу и девушку, что вот-вот умрёт от туберкулёза.

Из фантазий в нём — лишь мир мечтаний главного героя, который он делит со всеми другими мечтателями с похожими стремлениями. Именно отношение грёз и реальности, которое раньше Хаяо выражал куда более открыто, Миядзаки здесь демонстрирует с удивительной тонкостью, внезапными вторжениями фантазий и лирическими отступлениями, минутами тихой созерцательности и громкой, страшной действительности. Отдельное гениальное решение — озвучить самолёты с помощью человеческих голосов, обозначая отношение героя-авиаконструктора к ним как к чему- то живому и дышащему.

Для Миядзаки, огромного фаната авиации (его отец к тому же тоже был конструктором самолётов), «Ветер крепчает» — очевидно, самое личное и важное кино. И понятно, почему после него он собирался завершить карьеру: картина действительно выглядит как его завещание всем мечтателям будущего. Сейчас, правда, маэстро передумал и собирается делать новый фильм — что ж, верим и ждём.

Промокадр к мультфильму "Тайна Коко"

Третий и, честно, последний пиксаровский мультфильм в нашем топе. «Тайна Коко», тематически и сюжетно перекликающаяся с другим, не-пиксаровским, но тоже отличным мультфильмом «Книга жизни», эксплуатирует тему мексиканского «дня мёртвых», макабрического праздника, в котором яркий карнавал становится способом выразить почтение умершим родственникам и смерти в целом как обязательному этапу жизни. В чём-то это напоминает бёртоновский «Труп невесты», где мир задорных скелетов тоже показывался веселее и красочнее (в буквальном смысле), чем скучный мир живых.

Но в «Коко», конечно, контраст не так силён, да и тематически он уходит совсем в другие дебри. Это мультфильм, который можно воспринимать как хрестоматийную сказку с моралью о том, что нужно почитать и помнить старших (даже если старшие уже на том свете), а можно как вполне себе прогрессивную историю о примирении традиции и индивидуализма, трогательную притчу о принятии смерти и культурном диалоге между поколениями.

Кадр из мультфильма "Кубо: Легенда о самурае"

Любопытно, что так много выдающихся анимационных фильмов — жанра, до сих пор многими считающегося исключительно детским, — фокусируются на проблемах максимально мрачных. Вот и «Кубо. Легенда о самурае», как и пиксаровский «Коко» (и ещё несколько фильмов, о которых позже), обращается к теме принятия смерти. У них вообще очень много общего: и история, связанная с потерянной памятью, и обращение к локальной мифологии как способу метафорически передать переживания героя.

В «Кубо», правда, это сделано несколько тоньше и оттого ещё трогательнее. К тому же, даже если откинуть выдающуюся драматургию, картина Трэвиса Найта — ещё и огромное техническое достижение. Это самый сложный и визуально впечатляющий фильм студии Laika — чуть ли не единственной (ещё разве что Aardman) современной анимационной компании, настойчиво сохраняющей традицию stop-motion вместо более дешёвой и удобной компьютерной графики. Этот «ручной», тактильный подход к созданию истории, конечно, не пустое бахвальство, а мощный драматический рычаг, усиливающий тему невозможности будущего без сохранения прошлого.

Промокадр  к мультфильму "Моана"

Несколько потерявшаяся за другими громкими диснеевскими релизами этой декады, «Зверополисом» и «Холодным сердцем», «Моана» тем не менее лучшее, что делало анимационное подразделение Disney в 2010-х. Колоритная этнографическая история квазипринцессы, которая, чтобы спасти свой народ, пробирается через толпы мифических существ и сюжетов из забытых легенд (кстати, тут вновь возникает и тема народной памяти), интересно работает с национальной культурой тихоокеанских племён, внезапно мешает её с отсылками к «Безумному Максу» и типичными диснеевскими песнями, которые здесь на удивление и уместные, и действительно хорошие. Впрочем, с Лил-Мануэлем Мирандой в композиторским кресле по-другому, наверное, и быть не могло.

Кадр из мультфильма "Ранго"

После трилогии «Пиратов Карибского моря» Гор Вербински решил полноценно использовать свои визионерские умения и ушёл в анимацию — в 2011-м он выпустил «Ранго», мультфильм про домашнюю ящерицу (конечно же, Джонни Депп), которая случайно попадает в населённый животными городок, будто застрявший на Диком Западе.

Несмотря на детский рейтинг 0+, «Ранго» очень дотошно следует жанровым лекалам заправского вестерна — тут и привычные грязные салуны с не самыми приятными мордами внутри, и архетипические злодеи, и тема столкновения с Новой Эпохой (а ещё отсылка к «Страху и ненависти в Лас-Вегасе», а что, «0+» же). Это прекрасный и визуально изобретательный фильм с явным ностальгическим флёром по «тому самому» кино, ревизионистский вестерн для самих маленьких, мирящий архаичный жанр с быстро меняющейся современностью. Как результат — заслуженный «Оскар», в кои-то веки вырванный из лап «Диснея» с «Пиксаром».

Кадр из мультфильма "Сказание о принцессе Кагуя"

Последний фильм великого Исао Такахата, второго легендарного режиссёра студии Ghibli после Миядзаки и автора «Могилы светлячков». В «Сказании» Такахата взял старинную японскую легенду (считается, что самую старинную из сохранившихся) о маленькой девочке, найденной бедным крестьянином в бамбуке, и на её основе — недалеко, впрочем, отойдя от оригинала, — построил глубокую притчу о поисках себя, пагубном мещанстве и, да, о смерти.

Нарисованная акварелью, весьма условными и как будто бы примитивными штрихами, «Сказание о принцессе Кагуя» — прекрасная метафорическая картина, тонко работающая с национальными мифологемами и, возможно, лучше всех в этом десятилетии использующая рисунок для передачи тех эмоций, что невозможно визуально воплотить ни в каком другом искусстве. Сцена с бегущей из дворца Кагуя — совершенно гениальный пример использования анимации, момент сконцентрированного, выраженного отчаяния, за который фильму уже должны были отдать все возможные награды (но нет, он проиграл на «Оскаре» «Городу героев»).

Промокадр к мультфильму "Лего. Фильм"

Два отвязных постмодерниста, Фил Лорд и Кристофер Миллер, после ремейка 21 Jump Street и забавного мультфильма «Облачно, возможны осадки в виде фрикаделек» взялись за, казалось бы, абсолютно коммерческий проект, фильм- рекламу конструктора «Лего», призванный привлечь дополнительный интерес детей к и без того монополизирующей рынок игрушке.

Впрочем, Лорда и Миллера коммерческая основа их проекта интересовала мало и не помешала им сделать отличное кино. На первый взгляд «ЛЕГО Фильм» — типичная история об «избранном», но настолько точно и смешно осмысляющая все поп- культурные веяния современности, что даже шаблонный сюжет здесь видится осознанной иронией. К тому же фильм сделан невероятно с точки зрения компьютерной детализации — со всеми этими отпечатками пальцев на фигурках, реалистичным освещением и потрясающей тактильностью; в «ЛЕГО Фильме», вероятно, одна из самых технологичных анимаций в современном кино.

Под крылом Лорда и Миллера, к слову, позже вышел «Человек-паук: сквозь вселенные», тоже прекрасный (хоть и недосчитавшийся места в этом топе) и похожим образом использующий поп-культуру для своего мощного метамодернистского посыла.

Кадр из мультфильма "Песнь моря"

Фильм ирландского режиссёра Томма Мура, хотя так и не подумаешь, имеет много общего с «ЛЕГО Фильмом». В обеих картинах антагонисты — это не злобные, в общем-то, персонажи, которые по разным причинам пытаются избавить весь мир от проклятия чувств и обернуть их в стоический, неподвижный камень (лорд Бизнес — из- за мании контроля, сова Макха — от большой сердобольности). К тому же оба рассказывают бытовую историю через призму локальной мифологии: «ЛЕГО Фильм» делает это с помощью современного поп-культурного мифа, а вот «Песнь моря» — на основе кельтских легенд и сказок.

Весёлые фэйри, селки, сиды, каменные гиганты и совы-ведьмы у Томма Мура становятся частью предельно понятной, но оттого не менее цепляющей и мощной метафоры личных переживаний отдельной семьи, потерявшей мать и не способной справиться с этой утратой. «Песнь моря», со своей искривлённой перспективой отсылающая в том числе к скандинавской живописи, старую как мир историю и рассказывает как будто бы языком прошедших лет: ведь такая открытая метафора, опять же, это чисто мифологический троп.


Текст: Ефим Гугнин
Написать комментарий
А
О проекте Контакты Вакансии Реклама Перепечатка Лицензионное
соглашение
ВКонтакте OK.RU Яндекс Дзен Telegram
18+ Film.ru зарегистрирован Федеральной службой по надзору в сфере связи, информационных технологий и массовых коммуникаций (Роскомнадзор).
Свидетельство Эл № ФС77-82172 от 10.11.2021. © 2024 Film.ru — всё о кино, рецензии, обзоры, новости, премьеры фильмов
Предложить материал
Если вы хотите предложить нам материал для публикации или сотрудничество, напишите нам письмо, и, если оно покажется нам важным, мы ответим вам течение одного-двух дней. Если ваш вопрос нельзя решить по почте, в редакцию можно позвонить.

Адрес для писем: partner@film.ru

Телефон редакции: 8 (495) 229-62-00
Film.ru Пожаловаться Что именно вам кажется недопустимым в этом комментарии?